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Les origines françaises du ballet : un art royale

Le ballet et l’opéra ont commencé au XVIIe siècle, avec des énormes spectacles très élaborés, conçus dans les cours européennes. C’étaient des divertissements flamboyants utilisés pour célébrer des mariages ou montrer la richesse et le pouvoir du dirigeant politique.

Les performances étaient un mélange de paroles, de musique, de danse et de pantomime. Ils contenaient des processions cérémonielles aux effets techniques spectaculaires et aux costumes extravagants. Les histoires étaient inspirées des mythes de la Grèce antique et de Rome ou étaient basées sur des thèmes tels que les quatre saisons, le monde naturel ou les terres étrangères.

Les costumes étaient imaginatifs et fantastiques, décorés de symboles qui aidaient le public à reconnaître les personnages de l’histoire. Le mouvement était souvent limité par la taille de ces costumes.

À l’origine, les ballets de cour étaient exécutés par l’aristocratie et la royauté dans les chambres et les jardins de leurs palais. Les danses étaient basées sur les danses des cours royales avec des mouvements gracieux des bras et du haut du corps. Ces énormes spectacles aidaient à amuser les courtisans – la vie à la cour pouvait être monotone et ennuyeuse, et pouvoir danser était une réalisation sociale nécessaire.

Le règne qui est naquît avec une danse historique

Le roi Louis XIV de France était de toute évidence un danseur passionné. Il était connu comme le Roi Soleil, ce qui nous dit beaucoup de son talent en tant que showman. En fait, il était apparu comme le dieu du soleil, Apollon, dans Le Ballet de la Nuit, à l’âge de 15 ans.

Apollon était le dieu grec de la paix et des arts. Le Soleil, un corps céleste qui a donné vie à toutes choses, était considéré comme le symbole parfait pour le jeune roi. Finalement, il est devenu impossible pour les danseurs amateurs d’atteindre les normes exigées par les maîtres de danse et les compositeurs. Les deux traditions distinctes du ballet et de l’opéra ont commencé à se développer indépendamment et en 1661, l’Académie Royale de Danse a été créée en France. Ici, les premiers danseurs de théâtre professionnels ont été formés et la danse a été déplacée de la cour vers les théâtres publics.

Le ballet La Princesse d’Elide faisait partie d’une fête de sept jours tenue en mai 1664 au château de Versailles. Les festivités ont célébré la naissance d’un fils de Louise de La Vallière, maîtresse du roi de France, Louis XIV.

Versailles n’avait pas de théâtre, des scènes temporaires ont donc été installées autour du palais et dans les jardins. Ici, la scène a été installée dans le parc avec le palais lui-même visible en arrière-plan. Ces célébrations somptueuses ont contribué à impressionner les dignitaires étrangers et à renforcer l’image de Louis en tant que dirigeant absolu. Louis et ses courtisans y participaient souvent. D’une certaine manière, toute la vie de Louis fut une représentation, joué sur la scène de Versailles : les gens le regardaient même se lever le matin et se coucher.

Célèbre est devenue une comédie-ballet appelée la Princesse de Navarre produite dans le cadre des célébrations d’un mariage royal : le fils du roi, le Dauphin, s’était fiancé avec Marie-Thérèse d’Espagne. Le compositeur Jean Philippe Rameau a été invité à écrire le ballet en partenariat avec l’auteur Voltaire (désormais surtout connu pour ses romans satiriques comme Candide). Voltaire a estimé que la commission était un essai qu’il devait rédiger selon un cahier des charges précis et tout ce qu’il écrivait était constamment vérifié par un certain nombre de fonctionnaires. Pour aggraver les choses, lui et les fonctionnaires responsables de lui avaient la pire des relations possibles, ce qui rendait le philosophe l’homme le plus malheureux sur Terre pendant la durée de ce travail.

La Révolution Française s’est vécue aussi dans la danse

Après la Révolution française de 1789, les femmes abandonnèrent les paniers et les corsets pour des robes flottantes de style grec, qui mettaient en valeur le corps. Les danseuses suivaient la mode et ces robes leur permettaient d’effectuer une plus grande gamme de mouvements. Elles portaient désormais des chaussons plats, ce qui permettait une plus grande souplesse du pied, et les femmes développaient l’astuce de se lever sur la pointe des pieds (en demi-pointe). Les costumes pour les hommes reflètent également la mode et le tonnelet a été remplacé par une veste et une culotte ajustée. Maintenant que les costumes sont devenus plus libres, les hommes et les femmes peuvent danser ensemble.

Le fils qui a toujours voulait être à la hauteur de son père

Marie-Jean Augustine Vestris était le fils du célèbre danseur Gaëtan Vestris. Beaucoup le considéraient comme le plus grand danseur – même si, comme l’a souligné Gaëtan, il avait l’avantage d’avoir Gaëtan comme père « un avantage que la nature m’a refusé ».

Auguste fut l’élève de Gaëtan et fit ses débuts en 1772 à l’âge de 12 ans. Dix ans plus tard, il fut le vedette de l’Opéra de Paris et il a été, donc, acclamé dans toute l’Europe. Un spectateur a déclaré que « il s’est élevé vers le ciel d’une manière si prodigieuse qu’on le croyait avoir des ailes ».

Le style noble dans lequel le père de Vestris excellait et le tonnelet étaient démodés. Dans les années 1780, la simple veste, la chemise et la culotte permettaient une plus grande virtuosité et une ligne de jambe plus haute. Tout le monde n’a pas approuvé. Il y avait des commentaires sarcastiques sur les singes et sur le fait qu’une oie pouvait aussi se tenir sur une jambe.

Le ballet commence à raconter les histoires de l’homme commun

À la fin du 18e siècle, les histoires de ballet ont commencé à raconter la vie de gens ordinaires plutôt que des héros mythiques.

L’un des ballets les plus connus des années 1790 est La Fille Mal Gardée. La chorégraphie originale est maintenant oubliée mais le ballet a été retravaillé par Frederick Ashton dans les années 1960.

Le ballet a été conçu à l’origine en 1789 par le chorégraphe Jean Dauberval, alors qu’il travaillait au théâtre de Bordeaux, en France. Il a vu une empreinte d’une mère grondant sa fille pendant que son amant s’échappe par les escaliers. Sa chorégraphie originale n’a pas survécu, mais c’était l’un des premiers ballets à traiter de personnes « réelles » et de leurs émotions, plutôt que de dieux, de héros et de mythologie.

Le divertissement qui commence à devenir une discipline

À Milan, Carlo Blasis a produit le manuel The Code of Terpsichore (Terpsichore était la déesse grecque de la danse), un manuel de technique de danse qui comprend de nombreux exercices et pas que les danseurs font encore en classe aujourd’hui. C’est Blasis qui a insisté sur le taux de participation à 90 degrés des hanches. Jusque-là, la participation à 45 degrés était la norme.

Carlo Blasis est né à Naples en 1797 et il est mort en 1878. Il a étudié la danse à Milan avec le grand professeur et chorégraphe du XVIIIe siècle Vigano et il est devenu le danseur principal à Milan. Il a également formé les danseurs italiens les plus célèbres de l’époque, qui ont ensuite dansé à Saint-Pétersbourg, Paris et Londres, répandant ainsi l’influence de Blasis dans toute l’Europe.

Alors que la danse du XVIIIe siècle ne nous semble pas familière, les illustrations du livre de Blasis ressemblent à du « ballet ». Son travail a jeté les bases du ballet classique en Russie et par extension du ballet au XXe siècle. Les exercices et les poses sont familiers dans le cadre de chaque cours de ballet, de l’enfant qui fait ses premiers pas à la plus grande ballerine.

Un « tourne-hanche », littéralement un retourneur de hanche, était un appareil utilisé par les maîtres de la danse aux 18e et 19e siècles pour entraîner les pieds de leurs élèves dans la position correcte requise par le ballet et la danse sociale.

L’élève se tenait sur le demi-cercle avec les talons contre le bord droit surélevé et les brides articulées étaient déplacées à travers les chevilles jusqu’à ce que chaque pied soit à l’angle requis par rapport à la jambe. Au 18ème siècle, un angle de 45 degrés était acceptable mais à partir du 19ème siècle, un angle de 90 degrés était demandé pour les professionnels, formant ainsi un angle de 180 degrés à travers les talons.

Ce « retournement » donne une flexibilité maximale à l’articulation de la jambe et de la hanche et permet au danseur de se déplacer dans n’importe quelle direction. La rotation est acquise sur une longue période d’entraînement par la rotation de l’os de la cuisse dans la cavité de la hanche. Le problème était que ce dispositif encourageait la pupille à sortir du genou et non de la hanche, et pouvait causer de graves problèmes articulaires.

Une société aussi impressionné que scandalisée par le nouvel art

Les jupes plus courtes et les costumes révélateurs du corps étaient considérés comme vulgaires par le public conservateur. Les grands caricaturistes britanniques ont fait la satire de la danse et des danseurs, se délectant et exploitant tout comportement scandaleux. Rose Parisot, une danseuse française très populaire, était souvent dessinée avec l’un de ses seins découvert. Que sa robe ait glissé par accident ou par dessin n’a jamais été établie.

Son père, le journaliste Pierre-Germain Pariseau, avait été guillotiné pendant la terreur après avoir été pris pour un partisan royaliste du même nom. Les gravures et les caricatures la montrent généralement avec un sein nu – probablement une référence à ses costumes transparents et, peut-être, une tendance à en tomber.

En 1789, un groupe de danseurs français en visite fut condamné par l’évêque de Durham pour indécence. Il a estimé que leur apparence inconvenante de la chair saperait la morale britannique et les rendrait inefficaces dans la guerre contre Napoléon.

Les ballets de Charles-Louis Didelot en 1796 ont été un énorme succès critique, mais ont provoqué un scandale sensationnel en raison des robes diaphanes, courtes et révélatrices de corps qui étaient maintenant portées par les danseurs.

En 1798, l’évêque prononça un discours furieux à la Chambre des lords accusant la société contemporaine de mauvaise morale. Il attribue cette corruption à l’influence de la France catholique et il évoque « les séductions des attitudes les plus indécentes et les expositions théâtrales les plus insensées » des danseurs du King’s Theatre. Il était convaincu que le gouvernement français avait envoyé les danseurs pour « souiller et saper la morale de notre jeunesse ingénue » dans une tentative délibérée d’affaiblir la Grande-Bretagne en vue de l’invasion.

Pendant plusieurs mois, Parisot et ses collègues se sont retrouvés pions dans un débat intense et très émouvant sur l’influence de la religion sur le théâtre et les libertés personnelles.

Heureusement, Parisot a résisté à la tempête et les amateurs de théâtre l’ont prise dans leur cœur. Pendant une dizaine d’années, elle a régulièrement dansé à l’opéra et à Drury Lane, apparaissant dans des ballets tels que Alonso e Cora, Le Bouquet, Little Peggy’s Love et Sappho and Pharon (sous-titré de manière provocante « A Grand Erotic Ballet »). Sa retraite en 1807 a été précipitée par son mariage avec un fleuriste local à succès, M. Hughes, date à laquelle elle avait soigneusement économisé 12,000 £ sur ses performances.

Compte tenu de la profession de son mari, est-ce que ce serait « notre » Parisot que nous apercevons à nouveau en 1827, lorsque le Morning Chronicle publie une publicité pour les fleurs et les parfums français, disponible auprès de « Madame PARISSOT de PARIS » au 324 Oxford Street? Notre dernier aperçu d’elle est à Paris en 1837, où il a été rapporté qu’elle vivait « depuis de nombreuses années ».

L’attitude de Parisot marque clairement une étape importante dans le développement des attentes modernes de souplesse et d’assurance des danseurs. Outre la modélisation de l’élévation plus élevée des jambes, Parisot a également adopté le costume néoclassique plus lâche et plus révélateur de son temps, qui a rehaussé, pour tous les danseurs, la physicalité visible de leur art. Curieusement, malgré sa popularité considérable, le prénom de Parisot fait encore l’objet d’une certaine confusion, étant donné que quelques historiens l’appellent comme Céline ou Rose. Les sources que l’on a consultées suggèrent que Rose est l’option la plus probable. Mais qu’elle soit mentionnée dans les journaux, les romans, les lettres ou montré en images, Parisot est simplement Parisot, la célèbre danseuse et « attitudinaire ».

La France, un pays de danses et d’art

France is one of those countries that stand out in many areas. Its gastronomy is internationally recognized as well as its architectural beauty, the language is important in international affairs, and the country is known for being a territory of fashion, in short. Everything indicates that France is a country rich in culture and art. And of course, as an art, dance cannot be left out.

Indeed, French music knew periods of glory in the past and until the middle of the xxnx century, French composers contributed a lot to the world of art and, and as many of us know, dance is an important element to accompany poetry and songs.   So, as song, music and poetry progress, French dance also evolves.

Several dances known all over the world were born in France thanks to the passion that the Gauls naturally have for music, dance and art in general. A fact that shows the passion and importance of dance for the French is the creation of the Royal Dance Academy, an academy created by the King of France Louis XIV, or the Sun King, known for his eccentricities and his great passion for dance. This academy contributed very significantly to the development of dance style and technique in the late 18th and early 22nd centuries across Europe.10 Best Ballet Schools in the World | Dance Buzz

During this period, ballrooms enjoyed increasing popularity in France and throughout Europe.

The basis of most French music is developed on the basis of the dances used for the waltz, polka, mazurka, Marche, Scotland, tukif.com , Rondeau and Bourrée, although Christmas carols and baroque dances also have a lot of influence in the country. But almost all regions of France have their own styles, both in music and in dance.

The cancan and the waltz, two great protagonists of French dance

When we think of the typical dance of France, without a doubt the Cancan comes to mind. Although it is today a dance that all tourists who come to France see that in the great cabaret of the Moulin Rouge, it is a dance which really seduced the masses in 1820-1830. The Cancan requires a lot of energy and physical resistance, because its main characteristics are the high kicks, the Split and several demanding pirouettes.

In its beginnings, the cancan was not a dance very appreciated by the bourgeois class because of the costumes and the choreography, but it is in 1885 that the cancan knew a revolution thanks to the Bal Mabille which opened the first class in Montmartre.

Although the cancan is traditionally associated with the female sex, it is a dance that can be danced by both genres. Few men were cancan stars between the 1840s and 1860s, but female dancers were much more popular. The dance itself is associated with the Galop infernal de l’Orphée aux Enfers by Jacques Offenbach.

4. Regency Waltzes | Mass HistoriaAs for the French waltz, we can say that it became one of the most popular dance styles in France in 1945, although it was born much earlier in Parisian bars and cafes where popular rhythms like the bourrée began to mix with jazz rhythms, then the Italians and the Germans also brought the accordion.

Thus, a new waltz was born in Paris which differs from the Viennese waltz and which has its own style, which is also danced in a different way (the bodies of the couples are closer, more laps together and less movement on the dance floor), called Valse Française, Pericon or Valse Musette.

This music even became representative of Paris and Edith Piaf was the French singer who contributed the most to its worldwide distribution.

Other regional dances of France

Everyone knows that France is the country of cheeses, and although the capital is one of the most visited places in the world and you can probably consume all French cheeses there, it is clear that production begins in d ‘other cities and departments. The same goes for music and dance, that is to say that although the dances are known nationally and now worldwide, many of them probably come from far from Paris.

 

For example, the Farandole is a dance considered to be characteristic and representative of Provence. It is one of the oldest dances in France, because there are traces of it from prehistoric times.

La Maraîchine in Poitou is a traditional French dance spread in the Breton-Vendéen marsh and in the Poitevin marsh.   It is performed in two parts: first in large circles with polka dots, then the dance continues in pairs.

Java in Paris is a dance invented by the working class in the 1930s. It was a kind of counterpart to the Waltz, which was considered a very sophisticated and exclusive dance of French high society. This is why Java was born as a popular dance that is danced as a couple with the hands of the gentleman on the waist of the lady, who puts her arms around the neck of the man.Archivo:Types d'Auvergne - La Bourrée (carte postale).jpg ...

La Bourrée auvergnate is a dance that originated in Auvergne, although it is even widespread throughout Europe, and can be danced in groups of 4 people or as a couple. His choreography is quite interesting, since it involves brushing against each other without ever touching each other.

The grasshopper, finally, is a dance of “confrontation” in which men compete with flexibility to achieve the best choreography. This dance is typical of a fairly limited area, between the west of the department of Corrèze, the east of the Dordogne and the south of Haute-Vienne.

via: pornoplus.fr